Nolagko Nolasco, presidente de dicho centro cultural, informó que la próxima semana el grupo de teatro se estará presentando el miércoles 24 de junio de 2026, a las 6:00 p. m., en el Rooftop del restaurante República, en el marco de la programación de la Mesa de Turismo y Cultura del Dominican Test Festival.

Nolasco indicó que “la segunda presentación será el sábado 27 a las 7:00 p. m., en la Dirección de Cultura en el Exterior New Jersey, 180 Market Street, Paterson, NJ.

• También el Grupo de Teatro Cuaba presentará la obra el domingo 28 a la 1:00 p. m., en el pabellón de cultura del Dominican Test Festival.

El hombre que se convirtió en perro” será interpretada por los jóvenes actores Charlotte Marie Castro Collado, Juan Miguel Liriano Sánchez, Andrielys Liriano Frías y María de los Ángeles Hernández del Orbe. La dirección, a cargo del actor y director Ramón Matrillé, asistido por la actriz Jackie Taveras y la profesora María del Carmen Serrano.

El Centro Cultural Francisco Nolasco Cordero es una asociación sin fines de lucro que tiene como objetivo introducir a niños, jóvenes y adultos en el mundo del arte y la cultura, creada por la familia del extinto escritor Francisco Nolasco Cordero.

En este montaje, en el que la trama principal se desarrolla en inglés, Romeo y Julieta deciden crear un espacio propio y rebelarse contra la sociedad al hablar exclusivamente en español en sus momentos de intimidad, una lengua que se convierte en el vehículo de la famosa escena del balcón.

Según cuenta a EFE el director de la pieza, el keniano Saheem Ali, su obra plantea un contraste lingüístico justificado en las raíces de los personajes: mientras que Romeo es un joven latino de familia inmigrante cuya lengua natal es el español, Julieta no habla el español como nativa, ya que es una joven aventurera que aprende el idioma en secreto.

• Para el actor neoyorquino de origen mexicano-dominicano Daniel Bravo Hernández, encargado de dar vida a Romeo, el uso del español fue la clave para apropiarse del mítico personaje.

El español me ayuda mucho, hace que el personaje de Romeo sea mío. El inglés es para el trabajo o para estar afuera, pero el español es el lenguaje de su corazón», anota Bravo Hernández a EFE.

Un muro real para un conflicto atemporal

El director residente de The Public Theater diseñó la escenografía utilizando una réplica del muro fronterizo como metáfora del clima político actual en EE. UU.

Romeo y Julieta’ es una obra sobre la violencia. Quería señalar el muro fronterizo como este tema sobre el que la izquierda y la derecha están teniendo una discusión equivocada (…). La frontera se convirtió para mí en este símbolo de lo que estamos experimentando como estadounidenses», explica Ali a EFE.

La obra también incluye mensajes como «Abolish ICE» (Abolir el Servicio de Control de Inmigración y Aduanas), escrito en aerosol en el muro por Mercucio, o una pancarta con el texto: «El muro mata».

«Quería decir algo sobre el estado de la política y el conflicto que tenemos en este momento con lo que ICE está haciendo en las ciudades, entrando y persiguiendo a los inmigrantes, personas que son indocumentadas o que se supone que no deben estar aquí, y la muerte que resulta de eso», anota el director en referencia a las dos muertes de estadounidenses a manos de agentes de ICE en Minnesota este año.

A pesar de las referencias contemporáneas, el director defiende que el montaje es «atemporal», jugando con elementos antiguos por el lenguaje shakespeariano, combinado con un vestuario de tintes vagamente futuristas, para abrazar el pasado, el presente y el futuro de una problemática humana.

Bodas reales en el escenario

Ali explica que la idea de estructurar la obra en torno a una frontera nació tras un viaje a la localidad texana de Laredo, colindante con México, donde descubrió los llamados «matrimonios fronterizos», en los cuales parejas separadas por las leyes migratorias se citan en la línea divisoria para casarse ante un pastor.

Inspirado por este fenómeno, Ali decidió que cada función cerrara con una boda real sobre el escenario.

A través de una convocatoria discreta en la comunidad teatral, se seleccionaron parejas verdaderas para contraer nupcias legalmente en el Delacorte Theater, ya que el actor que interpreta a fray Lorenzo fue ordenado para oficiar bodas legales en el estado de Nueva York.

El objetivo, según Ali, es que, frente al trágico desenlace de la ficción, el público se marche con la esperanza de un amor real que sí logra prosperar.

Menos Hollywood y colas 

Para Daniel Bravo Hernández, pisar el escenario de Central Park representa un hito de tintes casi proféticos. El año pasado, el actor acudió como espectador a la obra de Shakespeare in the Park, que generó colas kilométricas y pernoctaciones debido a la presencia de estrellas de Hollywood y a la reapertura del recinto tras una millonaria remodelación.

«Al salir de ver la obra, les dije a mis amigos: ‘El año que viene me vienen a ver a mí en esta obra’. Lo dije de relajo y mira, un año después aquí estoy como Romeo«, dice entre risas el actor.

A diferencia del caos de la temporada pasada, este año el panorama en las taquillas de Central Park es mucho más amable para los asistentes.

Al contar con un elenco integrado puramente por actores de teatro en lugar de grandes celebridades mediáticas, la distribución de las entradas gratuitas en el Delacorte Theater hasta el domingo 28 de junio es más fluida.

Como preludio al concierto ‘Songs from a hat’, el propio Banderas ha subido al escenario para recordar cómo, cuando llegó por primera vez a Nueva York en 1985, las calles estaban llenas de carteles de Patti LuPone, pero él entonces no tenía «ni un duro» para ir a ver sus musicales.

Por eso, el actor malagueño ha calificado como «un sueño» tener en el escenario de su teatro a la artista neoyorquina, galardonada con tres premios Tony, dos premios Olivier y dos premios Grammy.

Arranque en Málaga

Tras la presentación de Banderas, ha aparecido en las tablas la propia LuPone, acompañada al piano por Joseph Talken, y, antes de empezar a cantar, ha leído un papel en español para hacer un resumen de su dilatada carrera y confesarse emocionada por actuar en España.

Concierto al azar

El azar tiene un gran protagonismo en esta gira, porque la actriz va sacando papeles de una chistera o le pide a los espectadores que lo hagan, en los que aparece el título de la siguiente canción que va a interpretar.

Y ese azar ha querido que, en su primer concierto en España, la primera pieza haya sido ‘Invisible’, del musical de Broadway ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ (2010), basado en la película homónima de Pedro Almodóvar, lo que ha sido festejado por LuPone con un grito de «fantástico» en español.

Otro de los grandes momentos de la noche ha llegado con la interpretación de ‘Don’t Cry for Me Argentina’, del musical ‘Evita’ (1979), el título que cambió para siempre su carrera e hizo de ella «una estrella», como desvelaba LuPone en una entrevista con EFE.

También memorable ha sido la canción ‘Calling You’, conocida por el público a través de la película ‘Bagdad Café‘, o ‘Lonely Town’, sobre la que la artista se lamentaba de que ya no se escribieran letras así.

El musical ‘Company’

Ha dedicado a Antonio Banderas, sentado en el patio de butacas, ‘Being Alive’, perteneciente al musical ‘Company’, un título bien conocido en este escenario porque es uno de los clásicos de Broadway que el actor malagueño ha dirigido y protagonizado en España.

LuPone ha cantado, además, ‘Moon River’ y, ya en el tramo final del concierto, ha hecho las delicias del público al recordar otro título mítico como ‘West Side Story’, con la pieza ‘Something’s coming’.

Canciones más celebradas

Pero la apoteosis estaba por llegar, cuando Banderas ha vuelto a subir al escenario para entregarle el Premio Lux Ductor (luz guía), un momento que, a petición del actor, ha sido iluminado por los espectadores con las linternas de sus teléfonos móviles.

Premio Lux Ductor

Su voz, su inteligencia, su fuerza, su ingenio y su inquebrantable dedicación a la excelencia artística la han convertido en una figura singular en la historia del teatro musical», ha dicho Banderas sobre la homenajeada.

«A lo largo de su extraordinaria carrera, no solo ha elevado la forma artística del teatro musical, sino que también ha recordado tanto al público como a los compañeros de profesión que el escenario sigue siendo un lugar de inteligencia, de pasión, de elegancia, de peligro, de humor y de honestidad emocional», ha añadido el malagueño. 

¿Es un gesto de amor o una carencia emocional?, se pregunta el dramaturgo ecuatoriano Alfredo Espinosa, quien lleva a escena la comedia escrita y dirigida por su compatriota Daniel Enríquez.

Espejo incómodo y cuestionador de la sociedad contemporánea, la obra enfrenta la disyuntiva entre el amor a las mascotas, la responsabilidad hacia los humanos y la necesidad biológica de cuidar.

La obra sigue a un hombre y una mujer que viven en un condominio, ambos sin pareja, pero con perros.

• El formato escénico desencadena el conflicto prontamente y, en la primera escena, la mujer acusa al hombre de haber hecho algo contra su perro; él rechaza el señalamiento y se enzarzan en una «guerra por los perrhijos», en donde lo que está en juego —desde la perspectiva del autor— es qué pasa cuando la gente pretende humanizar a un animal, explicó Espinosa a EFE.

Economía, individualismo, miedo

Para Espinosa, que comparte tablas con la ecuatoriana Ana María Balarezo, «la tendencia actual es tener cada vez menos hijos por las dificultades económicas, sociales, pero también por el individualismo».

• A esto se suma la sociedad «meritocrática», que exige más tiempo a la preparación académica en medio de economías afectadas por el desempleo, abundó.

Hay un montón de factores que determinan que, en este momento, los hijos ya no sean una alternativa», a lo que se suman quienes «piensan que no vale la pena traer hijos a un mundo como este», añadió uno de los dramaturgos más incisivos en Ecuador.

Todos estos factores se entrelazan en la obra que comenzará el 28 de mayo, en el Microteatro UIO, y que se centra en el fenómeno de «humanizar un animal, tratarlo como si fuera tu hijo sin la responsabilidad que tienes con otro ser humano cuando tienes que velar por él», observó.

Para Espinosa, al humanizar a los animales se podría dar «la sensación» de que el sujeto está «siendo extremadamente ético, bondadoso, amante del otro, sin tener que responsabilizarse realmente por el otro. Hay un desfase emocional», consideró.

¿Familia? ¿Soledad?

• Mi perro no es una mascota, es parte de mi familia», dijo tajante a EFE Samantha, una idea que se replica y que ha impuesto diversos cambios, como en el Registro Civil de Ecuador, que este mes instauró oficialmente las bodas ‘Pet Friendly’, permitiendo que las mascotas participen simbólicamente como testigos de la unión civil.

Reconocido por su mirada crítica, Espinosa defiende el buen trato a las mascotas, respeta la decisión de quienes no desean tener hijos, pero «intentar convertir a una mascota (idealizarla) en un ser humano para no sentirte solo es un síntoma complejo de algún tipo de carencia emocional muy fuerte», apostilló.

Actor y dramaturgo con más de tres décadas de trayectoria en teatro, cine y televisión, Espinosa remarcó los posibles efectos de la situación para la sociedad: «Cuando no tienes ninguna responsabilidad con el otro, el otro deja de existir», y viceversa, pues «uno es humano en función de una condición de alteridad».

• Esto, sumado al aislamiento social, redes familiares debilitadas, envejecimiento poblacional y problemas económicos, crea la tormenta perfecta que, en grandes capitales, se traduce en que «los viejos se mueren solos, infinitamente tristes, y los encuentran cuatro semanas después».

Y han vivido vidas de una soledad absoluta y una tristeza y un dolor absolutos. Ojalá no lleguemos a eso», en Ecuador, finalizó. 

La iniciativa cuenta con el respaldo de la Dirección General de Bellas Artes y será producida por el grupo Otro Teatro, bajo la coordinación de Karina Valdez y la dirección del Centro Internacional de Estudios Teatrales Espontáneo, encabezado por el maestro colombiano Gigio Giraldo.

• Este diplomado, que durante 17 años ha sido impartido en Colombia y otros países, ha impactado a más de 500 estudiantes de 24 naciones, consolidándose como una de las propuestas formativas más reconocidas en el ámbito de la improvisación teatral a nivel internacional.

Alcance del diplomado

En esta edición caribeña participarán reconocidos maestros de Argentina, España, México, Estados Unidos y Colombia, quienes impartirán más de 120 horas de formación intensiva enfocadas en el desarrollo creativo y escénico de los participantes.

Metodología del programa

El eje central del programa será “Impro en acción: del impulso a la escena”, una metodología que busca llevar la improvisación desde la espontaneidad inicial hasta la construcción consciente de la narrativa escénica.

Según los organizadores, la propuesta no se centra en imponer historias, sino en permitir que la escena surja de manera orgánica, convirtiendo lo improvisado en una experiencia teatral coherente, emotiva y visualmente potente.

A quién va dirigido

El diplomado está dirigido a actores, estudiantes de teatro, artistas escénicos y personas interesadas en la improvisación como herramienta creativa y expresiva.

Las inscripciones ya se encuentran abiertas a través del enlace oficial del Centro Internacional de Estudios Teatrales Espontáneo.

El proyecto se ha consolidado como una de las propuestas alternativas de entretenimiento en la capital, al construir cada función sin libreto previo y en tiempo real, a partir de las ideas que aporta la audiencia.

Un espectáculo que se construye con el público

El formato del show se basa en la creación escénica espontánea. Los asistentes proponen palabras, lugares, emociones o anécdotas, y a partir de esas sugerencias los improvisadores desarrollan escenas e historias completamente distintas en cada función.

La experiencia inicia con un video introductorio que explica la dinámica del espectáculo, seguido de un calentamiento guiado por el elenco. Luego, durante aproximadamente 90 minutos, los actores combinan comedia y música en interacción constante con el público.

Un proyecto que nació como experimento

• Según explicó la anfitriona del proyecto, Suzette Reyes, la iniciativa surgió inicialmente como un experimento de corta duración.

“Sí y Nights nació como un experimento de tres meses. Que hoy entremos rumbo al séptimo mes confirma que Santo Domingo tenía interés en propuestas distintas para las noches de entre semana”, expresó Reyes.

Elenco rotativo y producción local

El espectáculo cuenta con un elenco rotativo integrado por Laura Nanita, Gabi Balsells, Iván Aybar, Luinis Olaverría, Krystal Taveras, Carlos Cid, Gaby Tavares, Guille Valdez, Shakira Castillo, Abi De Óleo, Franchesca Rodríguez, Francheska Peralta y la propia Suzette Reyes.

La producción está a cargo de Carmen Cestero, Suzette Reyes y Robert Lizardo, quienes coordinan el desarrollo semanal del espectáculo y su dinámica de improvisación.

Funciones semanales en Santo Domingo

Las presentaciones de “Sí y Nights” se realizan todos los martes en horario nocturno en el espacio Velvet Room, ubicado en la avenida Enriquillo, en Santo Domingo, donde el formato continúa consolidándose como una alternativa fija dentro de la oferta cultural y de entretenimiento de la ciudad.

La producción estará a cargo de JaviKarla Producciones, liderada por los reconocidos artistas dominicanos Javier Grullón y Karla Fatule, quienes continúan apostando al crecimiento del teatro musical en el país, con montajes de alto nivel artístico y gran impacto cultural.

Con una sólida trayectoria en las artes escénicas, Javier y Karla han producido importantes musicales como Grease, In The Heights y el exitoso “Peter Pan, el musical” en 2025, el cual logró múltiples funciones a casa llena en la Sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito, reuniendo a miles de espectadores y posicionándose como una de las producciones teatrales de mayor impacto del año.

Hoy, con años de experiencia sobre los escenarios y detrás de ellos, asumen uno de los retos más ambiciosos de sus carreras: llevar a escena el musical que transformó la historia de Broadway.

En esta nueva puesta en escena, el elenco estará integrado por destacadas figuras como Javier Grullón, Karla Fatule, Héctor Aníbal, Tony Almont, Techy Fatule, Guille Martín, Nico Clínico y Laura Rivera, junto a un talentoso grupo que completa un elenco de más de 25 artistas sobre el escenario.

El montaje cuenta, además, con un equipo creativo y técnico de primer nivel: dirección general a cargo de Waddys Jáquez, dirección musical de Junior Basurto Lomba, con cinco músicos en escena; dirección vocal de Paola González; escenografía de Fidel López; diseño de iluminación de Emmanuel Ferry; diseño de sonido de Ariel Ramos; utilería de José Calvo y vestuario de Marcos Malespín, junto a un equipo de producción de alto nivel conformado por JaviKarla Producciones.

Para sus productores, este proyecto representa mucho más que un montaje:

Podemos decir a boca llena que RENT es nuestro musical favorito. Desde que tenemos uso de razón soñamos con poder realizarlo en nuestro país. Hoy, hacerlo realidad es profundamente emocionante, no solo como productores, sino también como actores y como seres humanos comprometidos con el arte y su impacto”, expresaron Javier Grullón y Karla Fatule.

Ambos destacan que el mensaje de la obra es hoy más vigente que nunca:

«Vivimos en un mundo que va demasiado rápido, donde muchas veces olvidamos lo esencial. RENT nos recuerda que solo existe hoy, que la vida se vive en el presente y que temas como la salud, el amor, la identidad y los estigmas sociales siguen siendo necesarios de abordar. Creemos firmemente que, a través de la cultura, podemos transformar, educar y generar conciencia. Este es un mensaje poderoso y necesario para nuestro país”.

RENT”, con libreto, música y letras de Jonathan Larson, es una ópera rock inspirada en La Bohème, que se estrenó en 1996 y permaneció durante 12 años en Broadway, convirtiéndose en un fenómeno cultural y ganadora de premios como el Pulitzer y el Tony al Mejor Musical.

La obra narra la historia de un grupo de jóvenes artistas que enfrentan realidades como la pobreza, el VIH/SIDA, la identidad, el amor y la lucha por sobrevivir en la ciudad de Nueva York, abordando temas que continúan siendo relevantes y necesarios en la actualidad.

Estas grandes producciones culturales resultan fundamentales para el desarrollo de nuestros artistas y el fortalecimiento de la cultura dominicana, apostando por montajes del más alto nivel como este. Gracias al respaldo de patrocinadores y entidades privadas, es posible llevar a escena propuestas de esta magnitud, llenar nuestros teatros y seguir impulsando el crecimiento de la industria.

Este proyecto cuenta con el apoyo de Banco Popular Dominicano, La Colonial de Seguros, Ministerio de Turismo, Alcaldía del Distrito Nacional, RD Vial, Brugal, Pollos Victorina, Conservatorio Alina Abreu y Caribbean Cinemas.

Las boletas están a la venta en Uepa Tickets y en todos los establecimientos de CCN Servicios. Los miembros del Club de Lectores del Listín Diario cuentan con un 10 % de descuento.

Obras destacadas del fin de semana

El desahogo de una viuda, presentada en la Sala Ravelo del Teatro Nacional, protagonizó la cartelera con una historia donde el humor, la ironía y la confesión personal se entrelazan sobre las tablas.

La pieza, con dramaturgia de Rafael Curci, producción de Niurka Mota y dirección de Danilo Taveras, presenta un monólogo donde la emoción y un tono mordaz conviven con naturalidad. Niurka Mota, en el papel de Carmen, sostiene una última conversación con su esposo fallecido, cuyo cuerpo, interpretado por Alexander Delgado, permanece inmóvil dentro del ataúd en escena. A partir de ese diálogo imposible, el relato transita entre el sarcasmo, la memoria y la introspección.

El desahogo de una viuda

A medida que avanza la trama, Carmen expresa reclamos que en vida nunca tuvo la oportunidad de formular, revelando con tono satírico aspectos de la vida en pareja, los valores individuales y algunas de las contradicciones más humanas. Durante las funciones, el público acompañó con entusiasmo este recorrido donde el humor se convierte en hilo conductor para abordar temas existenciales.

El montaje apostó por un lenguaje actoral cercano, apoyado en un mobiliario sobrio y una disposición escénica que privilegia la palabra y la interpretación. La obra forma parte de la programación artística concebida por el productor Guillermo Cordero e impulsada por el Centro Cultural Banreservas, cuya edición está dedicada al destacado teatrista Giovanny Cruz.

Programación futura

De manera paralela, el Centro Cultural Banreservas Santo Domingo presentó Las fábulas de Juan Niní, con dramaturgia, producción y dirección de Carlota Carretero, un espectáculo teatral para toda la familia que, en una novedosa versión unipersonal, combina las fábulas infantiles del escritor dominicano Juan Bosch con juegos tradicionales, música infantil y recursos escénicos especialmente atractivos para los más pequeños.

La propuesta se construye a partir de una dramaturgia intertextual basada en las fábulas El negocio de doña Hormiga, Don Gato y Don Ratón y El general Don Gallo, textos singulares dentro de la obra literaria de Bosch por estar dedicados al universo infantil.

Emocionario en Santiago

Mientras que en el Centro Cultural Banreservas Santiago, los espectadores disfrutaron de Emocionario: cuentos para reconocer lo que siento, con dramaturgia, dirección y actuación de Lorena Oliva, un espectáculo teatral y narrativo que invita a niños y niñas a un viaje sensible a través de seis emociones universales: alegría, ira, tristeza, sorpresa, asco y miedo. La pieza combina narración, interpretación y participación para acercar a los más pequeños al reconocimiento de sus emociones.

La programación de la temporada continuará el sábado 22 de marzo, a las 8:30 de la noche, y el domingo 23 de marzo, a las 6:30 de la tarde, en la Sala Ravelo del Teatro Nacional con la obra Liborio, producción del Teatro Guloya, escrita por César Sánchez Beras y dirigida e interpretada por Dimitri Rivera, que revisita desde la escena la figura histórica y mística de Liborio.

Ese mismo fin de semana, el Centro Cultural Banreservas Santo Domingo presentará El camarón encantado, inspirado en el cuento de José Martí, bajo la realización de Teatro Sonrisitas, a las 5:30 de la tarde.

Mientras que en el Centro Cultural Banreservas Santiago se presentará La Odisea, con dramaturgia, dirección y actuación de Lorena Oliva, también a las 5:30 de la tarde.

Detalles de la puesta en escena y elenco

La obra es presentada por Patricio León y cuenta con dramaturgia y dirección de Manuel Chapuseaux, quien propone una versión concebida para ser interpretada por dos actores, basada en la síntesis escénica, el trabajo actoral y la relación directa con el público.

En escena, Patricio León y Johanny García dan vida a este universo literario que ha acompañado a generaciones y que regresa al teatro dominicano en una propuesta dirigida a público infantil, juvenil y adulto.

Fechas y lugar de las funciones

Las funciones se realizarán los días 21 y 22 de febrero de 2026, a las 6:00 p.m., en la Sala Laura Bertrán del Colegio Babeque Secundaria, ubicada en la avenida Roberto Pastoriza.

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Las presentaciones forman parte del programa «La Brisita», impulsado por la Presidencia de la República, que este año incluye además seis conciertos filarmónicos en distintas provincias del país.

El anuncio forma parte de la política de descentralización cultural que impulsa el Ministerio de Cultura bajo la gestión de Roberto Ángel Salcedo. 

Según informó el MINC en un comunicado, estas funciones buscan acercar a las familias a la experiencia artística durante la temporada navideña y ampliar el acceso a producciones escénicas de gran formato.

• La obra, producida por el Ministerio de Cultura, presenta una idea original de Amaury Sánchez, con la dirección artística de Rícharson Díaz y la dirección escénica de Indiana Brito.

Sus protagonistas son Kenny Grullón y Cindy Galán, quienes comparten escena junto a las destacadas voces de Paola González (soprano) y Otilio Castro (tenor).

Fuente externa: Una de las presentaciones de «Fantasía de Navidad».

El montaje reúne a las compañías de la Dirección General de Bellas Artes, entre ellas el Ballet Nacional Dominicano, la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, el Ballet Folklórico Nacional, la Compañía Lírica Nacional, la Compañía Nacional de Teatro y el Teatro Rodante Dominicano, junto al Coro de Cámara Koribe y el Sistema Nacional de Escuelas Libres del Viceministerio de Creatividad y Formación Artística.

Sobre «Fantasía de Navidad«

«Fantasía de Navidad» narra la historia de un duende del Polo Norte, quien, tras quedar atrapado en una caja de regalos, llega accidentalmente a la República Dominicana. 

Para regresar a su hogar, deberá encontrar el espíritu de la Navidad del país, guiado por el hada Quisqueya en un recorrido lleno de tradiciones, ritmos y costumbres locales.

• El espectáculo promete un despliegue escénico de luces, música, coreografías y un mensaje emotivo para el público.

Las funciones se suman a la ruta de seis conciertos filarmónicos que el Ministerio de Cultura desarrolla durante diciembre en San José de Ocoa, La Vega, Moca, Cotuí, Santo Domingo Norte e Higüey, una iniciativa gratuita que refuerza los esfuerzos del Gobierno por llevar programación cultural a comunidades históricamente excluidas de la oferta estatal.

Con esta agenda, el MINC consolida un modelo de gestión que apuesta por la participación ciudadana, la expansión territorial de la política cultural y la promoción de la creatividad como motor de desarrollo.